PROCESO CREATIVO

Una imágen nos sugiere una idea, que a su vez nos hace ver la imágen en otra dimensión. La encuadramos convenientemente, y la plasmamos en una fotografía.

Pueblo Colo

En 2004 hice un viaje "turístico" hacia el nacimiento del río Mundo, en la provincia de Albacete. Me alojé con mi familia en un pueblo que se llama Ayna. En los alrededores vi la imágen de un pequeño pueblo enclavado en la falda de la montaña. Intuí que está imágen podría tener ciertas posibilidades pictóricas. Tomé la instantánea, y éste fue el resultado:

Me llamó enormemente la atención la sucesión de planos que constituían las fachadas de las casas. El conjunto de los tejados también tenían su propia identidad. Resaltan sobre las fachadas esos cuadraditos, rectangulitos, que son las ventanas y puertas, que a su vez, se conjugan perfectamente con una extraña métrica con los arbustos del monte, como si al final, lo único que importa son todas estas "manchitas" que salpican toda la imágen. Después de una profunda reflexión, me convencí de que para plasmar adecuadamente estas sensaciones en el lienzo tendría que "equilibrar" el peso de los arbustos en el monte con el de las puertas y ventanas de las edificaciones. El primer paso, sería delimitar muy bien estas zonas, que después se convertirían en "superficies de color puro", que se distribuirían uniformemente por toda la superfice de la obra.Haciendo un ejercicio de síntesis conceptual sobre las formas y colores de esta imágen, terminé la primera etapa de esta creación artística. Éste fue el resultado:

La primera parte de la obra estaba concluída. Pero ahora estaba ante un precipicio. Pero había que esperar a que las musas se aparecieran. Y aparecieron un buen día, después de varios meses, no sin antes revisar las últimas teorías del color, revisar algunas obras de artistas de coleccionables, y mucha, mucha reflexión. ¿Cual iba a ser mi estrategia?Desde luego no estaba dispuesto a pintar de una forma "realista", puesto que no se le sacaría el "jugo" a la imágen, y las sensaciones vividas. Los colores serían absolutamente arbitrarios, no tendrían nada que ver con la realidad. Pero, sin la guía de la realidad, ¿cuales serán los colores elegidos? Bien, llegados a este punto, recordé a los maestros "Fauves", "Las Fieras", como ellos se hacían llamar. Alteraban el color, independientemente de la realidad, buscando que la obra tuviera una vida autónoma, una propia armonía. Fundamental tener en cuenta cómo se comportan los colores cuando se combinan. Ellos utilizaban mucho los colores primarios y sus complementarios, que situaban de forma adyacente, dando el máximo contraste.

Este es el plan que diseñé: Utilizaría diferentes categorías de colores asociados al motivo a colorear, siguiendo este esquema:

- Colores Primarios (Azul, Rojo, Amarilllo) y Secundarios (Verde, Naranja, Violeta): Alzados frontales, ventanas y puertas, arbustos significativos, y otras zonas que equilibran el cuadro. Las puertas y ventanas tendrán colores complementarios al de la fachada en donde se insertan. Junto con los arbustos tendrán una armonía dominante, equilibrada y distribuída en todo el lienzo.

- Colores Ocres, Tierras y Sienas: Tejados, campo, etc.

- Colores Agrisados (surgen de la mezcla de un color primario o secundario con una pizca de su complementario): Alzados laterales, zonas en sombra, y discrecionalmente equilibrando el resto de la obra.

Después de las primeras pinceladas, esta es la primera impresión:

Bien, esto tiene buena pinta, pero llegaba la fase más complicada, y todo el resultado dependía de ella, es como un "Match Point". Se trata del acabado. Quedaba lo más importante, terminar de aplicar colores a las zonas sin cubrir. Un toque de complementarios a las puertas y ventanas. Retocar los tejados, que no me acababan de gustar. Dar armonía al conjunto. En fin... tocará el Cielo o el Infierno, pero siempre habrá merecido la pena intentarlo. El Resultado final ya lo habeis visto.

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Tiestos en Mojácar

Acrílico sobre papel

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La Danza de Matisse

Matisse es uno de mis pintores favoritos. En "La danza" emplea la máxima síntesis de medios: un inmenso acorde verde y azul para el fondo y un bermellón saturado para las figuras, que, en su frenesí rítmico, tensan la superficie del cuadro por la torsión de su giro helicoidal, todo ello formando una sola unidad fluída y plana. Ésta es una reproducción al óleo que realicé en el año 2001.

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Hayedo de Montejo

Éste es un óleo que realicé en 2003, inspirado en una imágen captada fotográficamente en El Hayedo de Montejo, que es uno de los hayedos más meridionales de Europa ubicado en Montejo de la Sierra, en la Sierra Norte de Madrid.

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Flores Silvestres

Acrílico sobre lienzo
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El Arlequín

El Arlequín es un óleo que realicé en 1995. Está inspirado en una fotografía que le saqué a mi hijo Alejandro una vez que se disfrazó de arlequín. Esta obra siempre me ha inquietado. No sé exactamente porqué, relaciono a los arlequines con el destino. La combinación de rombos de colores primarios y secundarios, que se contorsionan en todas direcciones, la mirada hacia el infinito, pensativa. Su soledad. Todo augura un futuro incierto. Son sus primeros pasos (años) en la vida, pero ¿por donde le llevará el destino?

Son colores fuertes, vivos, que constrastan con los cuadros del fondo. Están inspirados en unos dibujos al carboncillo reales (mis primeras y modestas incursiones en el campo de las bellas artes). Ellos reflejan la dura realidad de los adultos, al fondo, ahora a espaldas del niño, en el futuro quien sabe.

Por desgracia, El Arlequín es una obra malograda, ya que quedó casi hecho jirones hace ya algunos años. Todo ocurrió en uno de mis traslados de domicilio. El cuadro quedó almacenado dentro de una caja, en un cuarto junto con otras muchas cajas, todo pendiente de un traslado definitivo. Alejandro, con estilete abrecartas en mano, blandió estocadas a las cajas por doquier. Y lo que es el destino, su propia imágen quedó penetrada en todas direcciones.

La historia no acaba aquí. Todas las reflexiones que durante varios años he tenido y sigo teniendo acerca del cuadro, las estoy volcando en una nueva obra, un nuevo arlequín, de mayor tamaño, con más elementos que significan el destino, el porvenir. Esta obra la he comenzado hace ya unos años, lleva una cocción muy lenta, muy meditada, se va cargando de significado. No tengo prisa, algún día la terminaré.

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Homenaje a mi Abuela María

Éste es un retrato al óleo que le hice a mi abuela María, fallecida en el año 2001. Debido a su enfermedad, pasaba muchas horas sentada en su sillón, casi sin moverse, por lo que resultó una modelo ideal para un pintor aficionado como yo. Cuando se lo regalé le dió mucha alegría, y me consta que significaba mucho para ella.

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--Sirva esta obra para que todos reflexionemos acerca del mundo que viven los discapacitados--

El Ocho

Esta es la obra que presenté el año 2006 en el certámen de pintura denominado "ARTE SIN BARRERAS" que convocó AMIAB, la Asociación de Personas con Discapacidad de Albacete. Aunque no gané ningún premio, he sacado muchas cosas de este concurso.

En primer lugar, me ha servido de reflexión acerca de un mundo que se hace "invisble" para la mayoría. Cuando te paras a pensarlo, observas y ves cuantas barreras innecesarias ponemos a las personas con discapacidad. Me he quitado alguna barrera que atascaba mi mente. También me llevé la satisfacción de haber podido compartir la imágen creada por mí y su significado con las personas que visitaron el museo municipal de Albacete, en donde se expusieron las obras presentadas. Para un endogámico aficionado como yo esto es algo liberador. Aquí me teneis junto a mi obra.

¿Y qué he tratado de expresar con esta obra? Muchas cosas. La primera idea trata de cuestionar lo perfecto (???), representado por El Hombre de Vitrubio (de Leonardo da Vinci), marcado por la exactitud de las medidas relacionadas con la circunferencia y el cuadrado, yuxtaponiendolo a lo imperfecto (???), la figura desgarrada, representada por la imágen de una mujer espejo de la que está en El Guernika de Picasso. El poder perfecto, representado por el sol y sus rayos atraviesan a esta mujer que trata de subir por unas escaleras, verdadera barrera arquitectónica. Pero, ¿qué es lo perfecto y lo imperfecto? ¿Acaso esta mujer no tiene su propia métrica, su propio canon -el cuadrado y la elipse-? ¿No es más perfecta la mujer, humana, de carne y hueso, con sentimientos, que sufre, .. que el monocromo Hombre de Vitrubio?. Pero, ¿porqué patrones o canones de perfección, de belleza? ¿no es mejor la diversidad, la belleza en sí misma, y no por comparación? No nos damos cuenta de que estos patrones son marginadores. ¿Porqué rechazamos las prótesis que se salen del cuadrado central? ¿Quizá porque las estamos comparando con los miembros del Hombre de Vitrubio, tan perfectamente alineados? El ocho es el número mágico, que representa el número de miembros de los personajes, los rayos solares (8x2), así como el número de escalones.

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Historia de un Bodegón

Esta es la historia de un bodegón que pinté del natural en 1997. Se trata de un cántaro viejo que reposa junto a unas frutas y todo el conjunto está sobre un mantel. Traté de manejar un buen contraste entre luces y sombras, y con un fondo oscurecido, como hacían los clásicos. Lo cierto es que la pintura no es algo innato en mí, sino más bien aprendido, y de una forma autodidacta, por lo que construyo cada una de mis obras muy lentamente. El caso es que en ésta llegué a cansarme y estampé mi firma antes de que le diera los necesarios acabados finales. El resultado fué el siguiente:

Hacia el año 2000 la enmarqué y la colgué en una pared de mi casa. Hace cuatro años, en una limpieza general de la casa, esta obra sufrió un desperfecto. Podeis observar en la imágen las dos roturas en la parte superior, a ambos lados, producidas por las hembrillas de otro cuadro que se apoyó encima de éste al colocarlos sobre una mesa, con el fin de llevar a cabo las tareas de limpieza. Fue un pequeño desastre que ha perdurado varios años hasta hace muy poco.Llevaba mucho tiempo con la idea en la cabeza: por un lado reparar las roturas -¿sería esto posible?-, y por otro darle un nuevo aire. Me parecía que quedaba demasiado oscuro, demasiado "muerto". El jarrón necesitaba un acabado mayor, y mejorar el juego de luces y sombras. Me puse manos a la obra hace un par de semanas. En primer lugar, apliqué cola blanca y papel de periodico por detrás. Al secar quedó tirante. Por delante apliqué imprimación y cuando estuvo seca lo lijé con una lija de grano muy fino. A continuación retoqué todos los elementos, las frutas, el cántaro, el fondo. Al final estampé mi firma en este cuadro, y la fecha 1997-2007, diez años de maduración. Éste es el resultado:

Me gusta más esta obra, pero por otra parte, echo de menos ese fondo añejo de la obra ya desaparecida. ¿Qué te parece a tí, querid@ amig@?